Selección de Pinturas 3
- 30 ene 2017
- 5 Min. de lectura
Las Meninas - Diego Velázquez
Las meninas, como se conoce el cuadro desde el siglo XIX, o La familia de Felipe IV según se describe en el inventario de 1734, se considera la obra maestra del pintor del siglo de oro español Diego Velázquez.
Acabado en 1656 según Antonio Palomino, fecha unánimemente aceptada por la crítica, corresponde al último periodo estilístico del artista, el de plena madurez.
Es una pintura realizada al óleo sobre un lienzo de grandes dimensiones formado por tres bandas de tela cosidas verticalmente, donde las figuras situadas en primer plano se representan a tamaño natural.
Es una de las obras pictóricas más analizadas y comentadas en el mundo del arte.
El tema central es el retrato de la infanta Margarita de Austria, colocada en primer plano, rodeada por sus sirvientes, «las meninas», aunque la pintura representa también otros personajes. En el lado izquierdo se observa parte de un gran lienzo, y detrás de este el propio Velázquez se autorretrata trabajando en él.
El artista resolvió con gran habilidad todos los problemas de composición del espacio, gracias al dominio que tenía del color y a la gran facilidad para caracterizar a los personajes. El punto de fuga de la composición se encuentra cerca del personaje que aparece al fondo abriendo una puerta, donde la colocación de un foco de luz demuestra, de nuevo, la maestría del pintor, que consigue hacer recorrer la vista de los espectadores por toda su representación. Un espejo colocado al fondo refleja las imágenes del rey Felipe IV y su esposa Mariana de Austria, medio del que se valió el pintor para dar a conocer ingeniosamente lo que estaba pintando, según Palomino, aunque algunos historiadores han interpretado que se trataría del reflejo de los propios reyes entrando a la sesión de pintura o, según otros, posando para ser retratados por Velázquez, siendo en este caso la infanta Margarita y sus acompañantes quienes visitan al pintor en su taller.
Las figuras de primer término están resueltas mediante pinceladas sueltas y largas con pequeños toques de luz. La falta de definición aumenta hacia el fondo, siendo la ejecución más somera hasta dejar las figuras en penumbra. Esta misma técnica se emplea para crear la atmósfera nebulosa de la parte alta del cuadro, que habitualmente ha sido destacada como la parte más lograda de la composición. El espacio arquitectónico es más complejo que en otros cuadros del pintor, siendo el único donde aparece el techo de la habitación.
La profundidad del ambiente está acentuada por la alternancia de las jambas de las ventanas y los marcos de los cuadros colgados en la pared derecha, así como la secuencia en perspectiva de los ganchos de araña del techo. Este escenario en penumbra resalta el grupo fuertemente iluminado de la infanta.
Como sucede con la mayoría de las pinturas de Velázquez la obra no está fechada ni firmada y su datación se apoya en la información de Palomino y la edad aparente de la infanta, nacida en 1651. Se halla expuesta en el Museo del Prado de Madrid, donde ingresó en 1819 procedente de la colección real.
No. 5, 1948 - Jackson Pollock
Esta pintura es una gran contribución para el expresionismo abstracto.
La pintura fue creada sobre un tablero de fibras , también conocido como tablero de la composición.
Para la pintura, Pollock eligió utilizar pinturas líquidas.
Más específicamente, eran pinturas de la resina sintética (esmalte brillante) pero se refieren como pinturas de aceite para la clasificación del trabajo.
En la inspección era gris, marrón, pintura blanca y amarilla rociada de una manera que mucha gente todavía la percibe como un "nido denso de pájaro".
Las reacciones iniciales a la obra por los no iniciados fueron desalentadoras, sin embargo, en la actualidad es una de las pinturas más costosas que existen.
Baile en el Moulin de la Galette - Pierre-Auguste Renoir
Baile en el Moulin de la Galette, es una de las obras más célebres del pintor
impresionista
francés Pierre-Auguste Renoir, que se conserva en el Museo de Orsay en París, siendo uno de los cuadros más emblemáticos del museo.
El Beso - Gustav Klimt
El beso es una obra del pintor austríaco Gustav Klimt y probablemente su obra más conocida.
Es un óleo con laminillas de oro y estaño sobre lienzo de 180 x 180 centímetros, realizado entre 1907-08.
Esta obra, que sigue los cánones del Simbolismo, es una tela con decoraciones y mosaicos y fondo dorado.
Está expuesta en la Österreichische Galerie Belvedere de Viena.
Normalmente las obras de Klimt creaban escándalos y eran criticadas como "pornografía" y prueba de ser "excesivamente pervertidas".
Las obras pusieron a Klimt como un "enfant terrible" por sus opiniones
anti-autoritarias y
anti-populistas sobre el arte.
Él escribió: "Si no se puede complacer a todo el mundo con sus obras y su arte, por favor complace a unos pocos". Por el contrario, El beso fue recibida con entusiasmo, y de inmediato encontró un comprador
Tarde de Domingo en la Isla de la Grande Jatte - Georges Pierre Seurat
Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte es un cuadro del pintor
neo-impresionista
francés Georges Seurat.
Ejemplo de puntillismo
considerado por muchos una de las pinturas más relevantes del Siglo XIX.
La isla de la Grande Jatte se encuentra en el río Sena, en París.
Aunque por muchos años fue un sitio industrial, en los últimos años pasó a albergar jardines públicos y un conjunto residencial. En 1884 era un paisaje bucólico alejado del centro de la ciudad.
Seurat pasó dos años pintando el cuadro, concentrándose escrupulosamente en el paisaje del parque. Re-hizo varias veces el original y completó numerosos bocetos y esquemas preliminares. Se sentaba a menudo en los jardines y hacía numerosos bocetos de las distintas figuras a fin de perfeccionarlas.
Puso especial cuidado en el uso del color, luz y formas. El cuadro tiene aproximadamente 2 x 3 m. Fue expuesto por primera vez en la octava exposición colectiva del grupo impresionista, en 1886.
Basado en el estudio de la teoría óptica del color, contrastó puntos minúsculos de color que, a través de la unificación óptica, forman una figura coherente en el ojo del observador.
Creía que esta forma de pintura, conocida luego como puntillismo, haría los colores más brillantes y fuertes que pintados a pinceladas. Para hacer la experiencia aún más realista, rodeó el cuadro con una trama de puntos que a su vez limitó con un marco simples de madera azul. de esta forma se lo exhibe aún en el Instituto de Arte de Chicago.
Para este cuadro Seurat empleó el nuevo pigmento "Amarillo de zinc", más visible en las zonas amarillas iluminadas, pero también en combinación con naranjas y azules. Luego de completada la pintura, el amarillo de zinc se oscureció paulatinamente hasta tonos de marrón, defecto que se apreció ya en vida de Seurat.
(Tomado de Wikipedia)
Actividades
Elije dos pinturas de esta sección que más te llamen la atención y prepara un informe de interpretación para cada una de la obras. El informe debe contener los siguientes puntos a analizar:
La pintura es figurativa o no figurativa.
El significado de la pintura, lo que representa.
El contexto histórico en la que fue creada.
La percepción de color, cuáles colores predominan.
Qué lenguaje emplea, objetivo o subjetivo.
Cómo están distribuidos los elementos, ¿hay armonía?
Tu interpretación propia de la obra.
Comentarios